Antonioni presente con Identificación de mujer

En la selección Memorias, del EUROCINE se presenta la película Identificación de una mujer, de Michelangelo Antonioni.

Esta producción italo francesa, del recientemente fallecido maestro italiano se exhibe el domingo 22 de junio en Ocho y Medio Tumbaco, a las 17:00 y en Guayaquil en Supercines Los Ceibos el viernes 4 de julio, a las 19:00.

No es fácil decidirse por una sola mujer
*Por Alejandro Casares S.

Es la historia de una búsqueda y, a la vez, es mucho más que eso. Un hombre de cine busca el rostro de la mujer que protagonizará su película, excusa perfecta para embarcarnos en una travesía por un mundo interior, por los caminos de las relaciones amorosas y los desencantos. Con un ritmo lento, diálogos austeros y situaciones extrañas, Antonioni teje historias que cuestionan al espectador sobre las verdaderas intenciones del protagonista, quien parece perderse en su búsqueda sin decidirse por una mujer.

Los caminos que transita el amor no llegan al final. Todo es una metáfora de la imposibilidad de un amor perfecto: la tristeza y soledad del sonido del agua, escaleras circulares que parecen enredar las decisiones que se tomarán y mucha niebla en la que las parejas no se encuentran. Si este amor llega, desaparecerá y dejará en su lugar la duda de saber si era o no el verdadero. Antonioni eligió los escenarios perfectos y los pobló de mujeres cuya belleza se ve superada únicamente por la complejidad de sus personalidades. En medio de todo, un hombre que, entre tantas opciones, escoge la menos probable para su película.

*Si desea reproducir este texto o fragmentos del mismo, por favor únicamente recuerde citar la fuente: Cultura Intensa, comunicación cultural.

Un asunto de mujeres, en la Selección de Cahiers du Cinéma

Esta es la segunda semana del EUROCINE, en Quito y desde mañana, jueves 19 de junio arranca en Guayaquil.

Hoy, recomendamos en Ocho y Medio Tumbaco la película francesa Un asunto de mujeres, de Claude Chabrol que es parte de la Selección Cahiers du Cinéma.

UN ASUNTO DE MUJERES
(Francia, 1988, 100 minutos) Dirigida por Claude Chabrol. Escrita por Claude Chabrol. Protagonizada por Isabelle Huppert, François Cluzet.

Chabrol y Huppert retratan con crudeza asuntos de mujeres

*Por David Guzmán F.

Marie (Isabelle Huppert) atiende a sus dos hijos mientras sus rasgos dejan ver el peso de la guerra, la pobreza y el desprecio que ha llegado a sentir por su marido. Es la Francia ocupada por los nazis en medio de la Segunda Guerra Mundial y Marie no ve mejoras para su futuro, el de sus hijos ni el de sus sueños.

La idea de ser cantante ha quedado relegada a pequeños instantes de cantina, mientras baila y bebe de vez en cuando. Su marido ausente ha regresado de la guerra sin trabajo, sin esperanzas y provocando en ella sólo repulsión y desprecio. A Marie se le ha ido el amor, se le ha esfumado la pasión por la certeza de la pobreza y por su deseo frustrado de burguesía y solvencia.

Un fonógrafo será el primer pago que recibe por un favor a una vecina, con una práctica abortiva que ella conoce. Ese se convertirá en el primero de los servicios que realiza Marie y con los que ve crecer su economía y mejorar las condiciones de su familia.

Los golpes de la época y de su vida de desdicha se mitigan con ropas nuevas, algo de comida y el calor de un amante más joven.

Marie hace de su práctica clandestina una ocupación permanente, sin vacilaciones, sin atisbos de moral, sin remordimientos, atendiendo a mujeres que se han embarazado mientras sus maridos están en el frente de batalla, o a otras que no pueden escapar del asedio de los alemanes.

Un personaje duro, en una época conflictiva y en una situación de crudeza profunda es lo que retrata el genio francés Claude Chabrol en la película que marca el punto exacto de la mitad de sus 50 filmes. Un clásico de un director clásico que siguió con fervor los cánones marcados por la Nueva ola francesa y que se especializa en el retrato profundo e íntimo de personajes, como el interpretado con maestría por Isabelle Huppert, desgarradora e inolvidable.

Un asunto de mujeres, hoy en Ocho y Medio Tumbaco a las 20:00. El sábado 21 a las 18:30. En Guayaquil, en Supercines Los Ceibos el sábado 28, a las 17:00, el lunes 30, a las 19:00 y el miércoles 2 de julio, a las 21:30.

*Si desea reproducir este texto o fragmentos del mismo, por favor únicamente recuerde citar la fuente: Cultura Intensa, comunicación cultural.

EUROCINE presenta a Fatih Akin

Del director de Contra la pared, Fatih Akin llega al EUROCINE: Al otro lado, película nominada a la Palma de Oro en Cannes 2007 y ganadora al Mejo Guión.

La película se presenta por última vez en Quito mañana sábado 14 de junio, a las 20:00 en Ocho y Medio Tumbaco.

Al otro lado: las sincronías de la vida

*por Alejandro Casares

Reseña:

Son seis vidas que están por cambiar. Un viejo en un burdel pone a girar las ruedas del destino y las historias de los personajes se entrelazan sin encontrarse, hasta cuando los acontecimientos son irreversibles. Fatih Akin es el titiritero que maneja los hilos de la trama de la cinta Al otro lado y lleva a los habitantes de su mundo por caminos donde la desilusión y la muerte se contraponen con la esperanza de cada uno.

Hábilmente, el director abre una ventana por donde vemos cómo se cruzan las historias. No importa qué hacían antes de la primera toma y no sabemos qué harán después del final. De Alemania a Turquía, Akin impide que los personajes se encuentren cuando hubiera sido ideal, cuando tanto dolor se hubiera podido evitar. Mientras unos toman caminos equivocados, otros no atinan a descubrirlos entre la multitud, los amores que nacen tienen malos finales, padres e hijos tratan de superar las barreras generacionales. Al final, la ventana se cierra y las vidas continuarán lejos de la mirada curiosa del espectador.

*Si quiere reproducir fragmentos de este texto, por favor cite la fuente: Cultura Intensa, comunicación cultural.

Comenta el director turco alemán, Fatih Akin:

“Mis orígenes son turcos y alemanes. Nací en Alemania, pero estoy dividido entre las dos culturas. Crecí en Europa, pero mis padres me inculcaron la cultura turca, que siempre ha ocupado un lugar importante en mi vida. De niño, iba a Turquía cada verano con mi familia. Ya que pertenezco a las dos culturas, me parece lógico que mis películas también muestren esa ambivalencia. Contra la pared habla del amor; Al otro lado, de la muerte. Habla de la muerte en la medida que cada muerte es un nacimiento, ya que la muerte y el nacimiento abren caminos hacia otras dimensiones”.

Enfoque al cine de Polonia: HOY, Paisaje después de la batalla

Paisaje después de la batalla, una exraña joya del cine europeo

(Polonia, 1970, 101 minutos)Dirigida y escrita por Andrzej Wajda. Protagonizada por Daniel Olbrychski.

Sinospsis:
Es 1945, los aliados comienzan a liberar campos de concentración nazis y a pesar de la libertad la gente no sabe a donde ir, no tiene a dónde ir, el caos, la miseria y las reglas del nuevo mundo repleto de necesidad y vandalismo, no tiene sentido. Mientras los aliados tratan de reintegrar a los antiguos prisioneros, un joven poeta superviviente inicia una relación con una chica judía.


Comentario:

Hace años, tuve ocasión de ver Paisaje después de la batalla, en Ocho y Medio, en una muestra de cine polaco y ha sido una verdadera sorpresa saber que está de vuelta en cartelera, porque se trata de una de esas extrañas joyas que uno recuerda lejanas e imposibles de volver a encontrar.

Esta película es uno de los retratos más desoladores de la post guerra llevado a la pantalla por Wajda a partir de una serie de contrastes visuales y conceptuales. Los prisioneros de los campos de concentración han sido liberados y pese a esta nueva condición, no existe libertad posible.

Nadie sabe a dónde ir, las puertas de las jaulas están abiertas, pero los seres humanos se han convertido en animales salvajes, fuera del control de los nazis, pasan a las manos de los aliados, quienes no saben sino ejercer su poder de libertadores y hacer de su libertad una nueva prisión.

El mundo libre es un caos, ópaco y miserable y las imágenes lo retratan en su totalidad. Los hombres que han sobrevivido al horror, son ahora parte de él. Mentes y cuerpos flagelados por el sufrimiento, el hambre y la marginalidad. No existen límites entre el miedo, la euforia, la violencia en su estado puro y la muerte.

Y en el campo minado de podredumbre habita el poeta, quien con un cinismo descarnado busca en la literatura clásica paralelismos, escapes, mortificaciones y una locura nueva y refrescante en medio de la absoluta esquizofrenia del nuevo mundo en la post guerra.

Una película cruda, genial, enloquecida pero memorable.

por Paulina Simon T.

*Si este texto es de su agrado y desea citarlo, por favor hágalo, solamente recuerde citar la fuente: Cultura Intensa, comunicación cultural.

Ficción, hoy martes en Multicines Condado

Ficción, (España, 2006, 107 minutos, dirigida por Cesc Gay)

Se presenta hoy, martes 10 de junio, a las 21:00 en Multicines El Condado.

Esta película forma parte de la sección Europa al día.




Ficción: un paréntesis de amor en los Pirineos

por David Guzmán Figueroa*

Álex (Eduard Fernández) busca en los Pirineos catalanes y en la tranquilidad de la casa de su amigo Santi (Javier Cámara) la paz y la inspiración que le permitirán terminar el guión de su próxima película. Es director de cine, está pronto a llegar a los cuarenta y lleva consigo varios de los complejos y achaques propios de su entrada a esa etapa nueva de la adultez. Su permanencia en el campo es en principio ilimitada y está regida por el fin que le deberá dar a su película, pero la lenta rutina y el poco avance de su proyecto hacen que después de pocos días quiera marcharse, hasta que el encuentro y la afinidad con Mónica (Montse Germán), una violinista que está también de paso, prolongan sin querer su permanencia.

Es un verano en calma, Álex corta madera para el leño, pasea a caballo con sus amigos y se extravía junto con Mónica en los lagos de los Pirineos, mientras ve volar las hojas de su película que no termina de dar luz a su final. Atrás y en Barcelona quedaron la mujer de Álex y sus dos hijos, quienes luego de diez días llegan por sorpresa en su búsqueda.
Álex tiene que marcharse ya, el día mismo en que Mónica tiene su ticket devuelta, pero algo queda entre los dos, algo que en silencio y paso a paso aparece sin que se den cuenta, pese a que lo sientan. Ficción es eso, un filme de ficción, de esa realidad que se sale de lo real cuando uno busca otro espacio para escapar de todo y pasan cosas que no se las espera, llega gente que uno nunca espera.

Una película delicada, parsimoniosa, retrato de una cotidianidad de un momento aparte de la vida, que finaliza proyectos y refresca los sentimientos de Álex y Mónica y sin duda los dejará con un lío en la cabeza.

Sobre el director:

Cesc Gay, director ibérico ("En la ciudad" (2003), "Krámpack" (2000),"Hotel Room" (1998) ) cuenta con delicadeza aquello que muchas veces no se cuenta, detalles que en otras historias pueden sobrar pero que en Ficción se complementan, para brindar una historia de amor que espera una próxima casualidad.

*David Guzmán Figueroa, periodista, fotógrafo y realizador audiovisual. Es miembro activo de Cultura Intensa.

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El niño, Palma de oro en Cannes, hoy en EUROCINE

Hoy en Multicines, Condado, a las 21:15 y mañana, martes a las 19:00 se presenta la película belga El niño, cinta ganadora en Cannes en 2005, de los directores Jean-Pierre y Luc Dardenne.

Esta película estuvo entre las favoritas del público de Ocho y Medio en 2007, a continuación una reseña publicada en el periódico de Ocho y Medio el pasado diciembre:

El niño: maldad sin banda sonora, ni perversidad
Por Paulina Simon Torres

Silencio, miseria, instinto de supervivencia, Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne, parecen ser sinónimo de todo aquello que Cannes aprecia en una película merecedora de la Palma de Oro. En 1999 los hermanos belgas conquistaron este alto honor con su película Rosetta. En 2002 estuvieron nominados por Le fils y recibieron el Premio de la Crítica y en 2005 alcanzaron una vez más la Palma dorada con El niño.

Con un estilo limpio, sobrio y austero los hermanos Dardenne llevan al cine historias complicadas en relación a la sociedad, pero básicas en cuanto al ser humano y su naturaleza. El niño parte de la problemática de la paternidad o la usa como la justificación para demostrar que en una sociedad fría y moderna, la ternura estereotípica de los infantes no tiene lugar sobre la libertad y el placer.

Esta película retrata una realidad social, sin convertirse en una denuncia; solo en la representación de las carencias y las inclinaciones más viscerales de dos jóvenes inocentes hasta el punto de la irracionalidad.

Bruno (Jérémie Renier) y Sonia (Déborah François) acaban de tener un hijo, el pequeño Jimmy. Ella acaba de salir del hospital con el bebé en brazos y no encuentra al padre por ningún lado, el departamento donde viven juntos, esta arrendado a una pareja por el fin de semana. Finalmente, sin demasiada impaciencia y sin conflicto Sonia encuentra a Bruno debajo de un puente donde se oculta y esconde la evidencia de sus atracos diarios.

La pareja de adolescentes tiene un modo de comunicarse casi primitivo, tan elemental y escueto como el modo en el que son observados por la cámara. Deambulan por una ciudad gris, con aspecto industrial sin casi nada que decirse, ningún plan por delante, alguno que otro bolso o compra que robar y un recién nacido a cuestas.

Frente a la incertidumbre, el ambiente invernal y la simpleza de los padres el público no puede hacer más que continuar paciente, como lo hacen los directores, expectantes de nuevas frases dichas al aire, de pequeñas decisiones que son apenas una manera disimulada de seguir con la rutina.

Si bien toda la trama gira en torno al infante, él es apenas un elemento, una mercadería, un producto de las caricias torpes de sus padres que puede negociarse con gran facilidad en el mercado negro de la adopción.

La naturalidad con la que se expone cada pequeño crimen, cada error y duda, no deja sitio para la reflexión, para el giro de tuerca que uno esperaría en las personalidades de los protagonistas y menos aún para una decorosa redención en beneficio de la moral. No existe juicio posible: los progenitores son seres sin pasado, están solos en un mundo que les ofrece el bienestar de la seguridad social que provee el Estado y ninguna alternativa clara frente a la marginalidad.

Tanto la película como la anécdota en sí, son apenas circunstancias de la supervivencia y no existe un panfleto de ética que arroje luz sobre el destino.

Con una cámara que hace las veces de narrador testigo y la ausencia total de música, la historia transcurre sin quiebres sino hasta el final que puede ser la única reacción sorpresiva del protagonista.

El estilo de los hermanos Dardenne, tanto en El niño como en Rosetta deja la impresión de que las historias han sido elegidas al azar en una abundante franja de vidas marginales. La ambientación de cada una realza la posibilidad de encontrar decadencia en cada rincón de estas ciudades anónimas. En el niño, ser padre o no, no es la cuestión como uno creería. Sobrevivir a uno mismo y la inocencia casi inverosímil es en verdad la cuestión.

*Si deseas reproducir fragmentos de este artículo únicamente cita la fuente: Cultura Intensa, comunicación para la cultura